Vaso Roto Ediciones

Una visión profunda de la poética de Zurita, uno de los grandes referentes de la poesía chilena y latinoamericana contemporáneas.

En 1969 Raúl Zurita empieza a escribir El sermón de la montaña, su primer poema. Deja ya patentes buena parte de sus inquietudes creativas: la reflexión sobre lo transitorio y lo efímero, la experiencia del yo y especialmente la búsqueda, a través de la poesía, de mantras contra el dolor. Todas ellas se desarrollan en Mi Dios no ve, un itinerario documental por las más de cinco décadas que el chileno ha consagrado a la escritura.

Mi Dios no ve incluye poemas, relatos autobiográficos, fragmentos de entrevistas, traducciones. Y también imágenes de sus intervenciones de land art, de acciones performativas sobre su propio cuerpo y de otras incursiones en el arte contemporáneo.

El libro reclama, así, el reconocimiento de Zurita no sólo como gran poeta, sino como artista total.

El palestino Nawjan Darwish firma un poemario de profunda sensibilidad poética, poder, ingenio y autocuestionamiento existencial

La poesía de Nawjan Darwish es ajena a todo patetismo y autocompasión, y está, por el contrario, provista de ironía, humor y una conmovedora familiaridad con todo lo que nombra. El poeta explora una eternidad permanentemente despedazada, como si hubiese un dios subyacente, no nombrado, que se complaciera en hilvanarnos sufrimientos y desgracias.

Raúl Zurita firma el prólogo de este poemario compuesto por siete partes, todas ella atravesadas por personajes exhaustos en infinidad de cruces. Expulsados de su tierra ancestral, permanentemente sitiados y perseguidos, hacen ver al lector que, en esta tierra de víctimas y victimarios, de desplazados y desaparecidos, todos los demás somos sobrevivientes.

Un poemario sobre la conciencia de la propia muerte muy clarividente y libre de drama.
Mientras consideraba su mortalidad, Franz Wright encontró una nueva euforia y claridad en la página, entregando para nuestro examen el “yo” defectuoso pero arrodillado en gratitud en el que se había convertido. Desde «Entries of the Cell», el largo poema central que detalla la soledad del alma soltera, hasta breves poemas narrativos en prosa y letras tradicionales, Wright se deleita en el poder compensatorio del lenguaje, observando los faros diurnos que siguen a un coche fúnebre, o el viento, «bendiciendo uno por uno los capullos sin luz del regreso inadvertido del melocotonero doblado hacia atrás».

Enlaces interrumpidos es la obra culmen de Ivan V. Lalić, el gran renovador de las letras serbias, traducido ahora por primera vez en español.

Lalić asistió desde niño al desmembramiento de su Serbia natal. Por eso estableció vínculos sólidos con su pasado e hizo de la Naturaleza su referente: era lo único seguro, lo que le pertenecía como les perteneció a los Románticos. Por eso construye un mundo poético propio con la tierra, el aire, las piedras, el sol. Elementos libres, como él. Y con ellos marca el camino hacia la recuperación de los vínculos que sentimos perdidos: la tradición, la historia, la palabra y la lengua, que considera pilares de la cultura humana.

Enlaces interrumpidos es el rito de paso poético de Lalić; la obra que marca una transición de su poesía juvenil, brillante y vívida, hacia los versos más complejos y medidos de sus últimos años. Gran renovador de las letras serbias y admirado por autores de la talla de Charles Simic, en esta obra demostró ser un adelantado a su tiempo. Sus versos, escritos hace casi 50 años, son una anticipación de lo que escriben hoy las voces europeas.

Una novela evocadora y provocativa que indaga en la vida de T.S. Eliot y conmemora el centenario de la publicación de La tierra baldía.
Miguel Izamid vivió en Oxford hace más de quince años. Allí trabajó en Lloyds Bank, como le gustaba pensar que había hecho T. S. Eliot un siglo antes. Ahora, Izamid vuelve a los viejos edificios de la universidad para seguir los pasos del poeta y recrear su biografía.
Su punto de partida será el curso de 1914 y 1915, cuando Eliot hizo sus estudios doctorales en el Merton College y conoció a su futura mujer, Vivienne, inspiración de La tierra baldía. Izamid se embarcará en un viaje por el sur de Inglaterra marcado por la pasión literaria.
En el marco de una propuesta narrativa que adopta los más diversos registros, Díaz San Miguel nos acompaña en el descubrimiento de la personalidad del extraordinario poeta, crítico y dramaturgo que fue Eliot.

Un estudio comparativo entre dos grandes de la literatura: Wallace Stevens y T. S. Eliot en su lucha de trasfondo humanista de la Harvard de finales del siglo XIX. Esta obra de Leon Surette pone en tela de juicio la opinión generalizada de que la poesía de Stevens expresa una visión humanista del mundo y, lo que es más sorprendente, documenta la primera fase humanista de Eliot.
Mientras que la poesía de Eliot está dominada por la ansiedad cultural, religiosa y filosófica, la de Stevens es brillante e ingeniosa. Surette nos da cuenta de las críticas que recibiera Stevens en su momento, tildando su obra de superficial. Sin embargo, al mismo tiempo demuestra la seriedad del compromiso de Stevens con el dilema moderno −la cuestión de la fe y la incredulidad−, mostrando que él, al igual que Eliot, rechazó la resolución humanista. Surette yuxtapone las respuestas de los dos poetas en poesía y prosa a los mismos textos y acontecimientos: la poesía de Marianne Moore, la Gran Guerra, los humanistas y los antihumanistas y la poesía pura.

La primera traducción al castellano de una obra completa de Krynicki, uno de los autores polacos más destacados de la posguerra europea.
La obra de Krynicki está fuertemente marcada por su activismo político, que hizo que sus poemas estuvieran prohibidos en Polonia entre los años 1976 y 1980. «Piedra, escarcha» es el primero de sus libros que se traduce íntegramente al castellano y una pieza especial en su producción, pues documenta sentido de la distancia inédito en sus trabajos anteriores.
Hay en este volumen testimonios de una escucha continua: el autor capta del lenguaje el ruido, los recién llegados, la suciedad y los crujidos. La sensación constante de difuminar la frontera entre el sueño y la vigilia, la vida y la muerte, la mirada al pasado profundo, los diálogos con los muertos.
La inmersión de Krynicki en textos extranjeros aumenta la sensación de que el poeta vive, cada vez más, en ninguna parte.

El poeta irlandés Patrick Kavanagh distinguía entre el provinciano y el pueblerino. El provinciano, decía, siempre mira de reojo a la gran ciudad, mientras que el pueblerino nunca duda de la validez artística de su propia tierra. Periferias emancipadas reclama esa validez y propone una nueva mirada sobre aquellas literaturas ibéricas que, al emanciparse de su antiguo centro, se convierten en lugar de vanguardia y experimentación artística; cuestionan el canon y lo reformulan, afirman el poder renovador de la subjetividad. Martín López-Vega analiza y pone en relieve las valiosísimas aportaciones de las literaturas peninsulares (catalana, vasca, gallega y asturiana) al coro de la literatura universal.

La poeta y ensayista Joumana Haddad nos presenta una serie de diálogos con grandes escritores del mundo: Paul Auster, Umberto Eco, Peter Handke, Paulo Coelho, Mario Vargas Llosa, José Saramago, Yves Bonnefoy, Antonio Tabucchi, Nedim Gürsel, Elfriede Jelinek, Manuel Vázquez Montalbán, Rita Dove y Tahar Ben Jelloun.
Para Haddad, cada pregunta es el comienzo de una tormenta. Cada punto de interrogación es una flecha, puntiaguda y audaz dirigida hacia la cabeza del “otro”, el escritor. Una flecha que regresa a quien la ha lanzado cargada con las imaginaciones de la confesión.

Una reflexión clarividente sobre cómo la visión religiosa de la cultura árabe influye en la literatura, la lengua, la poesía y hasta la noción del individuo.
En este libro, Adonis explora la cultura árabo-islámica para intentar responder a grandes cuestiones: ¿quién es el ser árabe musulmán?, ¿cuál es su mundo interior y cómo piensa?, ¿es el ser humano en sí mismo una esencia activa, un individuo creativo o simplemente un mero gestor? El motivo de estas preguntas es comprender el significado de la cultura árabe, sus relaciones y connotaciones, y entender el papel que juega la visión religiosa de la cultura árabe en la historia de la literatura, la lengua, la poesía, la creación y la civilización.
«La paradoja que erige lo fijo y lo mudable es que cuando los árabes del siglo xx intentamos estudiar nuestra herencia pasada y nuestro legado cultural, lo que nos atrae en ella es precisamente todo lo ligado a la tendencia de lo mudable, algo que nuestros antepasados rechazaron, de una forma u otra, y sigue estando, hoy, fuera de la estructura básica de la sociedad árabe», dice Adonis.

Después de haber publicado 'Va verdad' (2013) y 'Tanto es así' (2017), y tras la compilación de su obra en 'Hacia lo violento' (2021), Antonio Méndez Rubio comparte ahora finalmente una muestra de su trabajo poético del último lustro en 'Tanto es así'. Hay un dejo de dolor que atraviesa, una pregunta que se hace más honda conforme el lector profundiza en sus versos, que, paradójicamente, nos dan vida a base de exponernos a la pérdida, a la brevedad.

«Tanto es así… palabras que nada significarían si no fuera por cómo nos sitúan en el mundo y, desde el aquí, dotan de sentido a todo el aire que llega a nuestros pulmones.» Tere Irastortza

Parliament Hill es un lugar y un no lugar. Parliament Hill es un viaje y un descubrimiento. Con un lenguaje referencial sencillo y nítido, alejado de cualquier rebuscamiento vano, Emily Roberts nos invita a una introspección a través de temas como el viaje infinito, el miedo, la soledad, el valor de los recuerdos, la atracción por lo extraño…, para descubrir el mundo que nos rodea e intentar comprenderlo. Su voz, intensa y honesta, es testigo del asombro ante el reconocimiento de lo desconocido; un retrato fiel y tierno de la transición hacia la vida adulta.

Para Ferenčuhová el destino individual del alma humana está íntimamente conectado con el del universo, indisociablemente unido a la Tierra. Con un sutil lirismo, imágenes intensas y un dominio absoluto de conceptos astrofísicos modernos, esta obra presenta un universo al borde del colapso y explora nuestro lugar en él. El cosmos y, por ende, también la tierra, se convierten en el escenario de las reflexiones de la eslovaca sobre temas universales: la muerte, el amor, la pureza de la infancia, la inseguridad existencial, la percepción distorsionada de la realidad y la deshumanización de la sociedad, entre otros.

¿Dónde si no en el exilio habla la palabra poética? ¿Dónde sino en la pérdida se eleva lo que nombra la ausencia, la distancia, la interminable lejanía? Y allí donde esa palabra dice lo que añora comienza su sueño despierto: quiere restituir con imágenes oscuras lo que se le sustrajo. Juega otra vez y sabe que ese exilio comenzó cuando la infancia se abandona. La infancia como territorio donde lo imaginario se consagra, pero retorna como pérdida o repetición monstruosa, como orfandad o duelo.

La poesía completa de Hugo Mujica desde el año 1983 hasta 2011.
Este volumen reúne la poesía que Hugo Mujica ha dado a la imprenta desde la aparición, en 1983, de Brasa blanca. Es la suya una escritura que ha sabido despojarse de todo lo accesorio, de toda distracción y ornamento, para interpelar los ejes de la condición humana con una seductora convergencia de lirismo y metafísica, elegancia verbal y lucidez existencial. Su poesía se acerca al silencio para mejor escucharlo y entenderlo, para incorporar su lección y entrañarlo en su abordaje al mundo, esa “lluvia del mundo” que da título a uno de sus libros. Lo metafísico en Mujica es una disciplina del pensar y una escenografía: una grieta en la pared, un ruido en la cocina, una calle vacía donde brilla débilmente una farola… Llevando el lenguaje a su esencia, esta poesía logra dar voz a lo esencial de la vida misma, el misterio en que se asienta.

Desde las profundidades de una poesía coloquial Armando Alanís Pulido nos entrega un mapa profundo de lo que es México en la actualidad personificado a través del maíz. De acuerdo al mito, la mujer y el hombre nacen del maíz. El dios creador Quetzalcóatl no sólo les crea sino también les muestra cuál es el alimento espiritual. El poeta indaga en mitos, ritos, identidades y rinde homenaje a Juan Rulfo y su Pedro Páramo, a su forma de permitir reconocernos en el habla del indígena, en su amor por la tierra, por la naturaleza, por los ancianos, de donde emana su espiritualidad.
Este poemario se percibe como homenaje a nuestro país, a la planta que nos alimenta, la que abre y prepara el camino. Sin embargo, como toda poesía, también nos muestra su universalidad: los mitos de la creación enseñan algo que es de todos y para todos pues poseen la facultad de mostrar que estamos en este mundo para humanizar nuestro saber, para oírnos los unos a los otros sin importar género, color (el maíz es amarillo, rojo, azul, verde), geografía, abriéndonos las puertas a la diversidad.

No hay mirada más torpe sobre la escritura de poesía que aquella que pretende marcar distancia; la que finge desde una esquina, a escondidas, que no va a involucrarse; la que sueña con que no se perciba la autobiografía entre sus versos. No hay libro, si lo es, que nazca huérfano.
Desde el lirismo de la poesía de la experiencia y sin miedo al Yo, Luis Aguilar reflexiona ahora –en un giro peculiar de sus temáticas y obsesiones escriturales— sobre la moda de la poesía reclamada por la competencia de los proyectos, las subvenciones y la corrección política, reclamando abrir los linderos que ahogan una poética congestionada en los libros monotemáticos y, arriesgado como suele, lo hace desde un libro monotemático: crítico, autocrítico y por momentos delirante. En plena madurez creadora, el poeta cuestiona si no ha de descubrirse que el fuego quema porque la llaga arde; si una lectura es suficiente para escribir sobre la enfermedad, el amor o el miedo.

Collage: asolar aquí para arrasar, predice bruno darío; asolar por donde sea necesario o con justeza cegar para segar. Aquí, listas y «escasas», están las páginas, aunque la muerte pase de moda o la luz escape a través de un intestino. O bien, ¿de qué poemas se compone la palabra que los escribe? Arte poética surgida entre cochambre; baba provocada por la creación ceniza, la inevitable, la jorobada a la inversa, aquella que localiza pechos descorazonados para meterse. Voz lectora, pronto habrás de saberte frente a este cuchillo clavado en el idioma, con puntas sometidas en los labios. Ahí, exactamente, estarás donde cantan las cosas. Si lo haces, vas a saciar tu sed de ser, tu sed de sed.

Con un epígrafe de Sõren Kierkegaard inicia Curtis Bauer su poemario: «El mayor de todos los peligros, perderse a sí mismo, puede ocurrir inadvertidamente en el mundo, como si no fuera nada». Y es que para este poeta el peligro yace en la distracción, en no darse cuenta. Por eso regresa a lo ido, a un pasado que requiere ser revisitado. América, las distintas américas que conforman el universo de Bauer, se nos presenta en una crudeza llevada a la abstracción. Máquinas, manchas de petróleo, mares de tierra, salamandras, un mundo con atisbos de esperanza y su olor a jazmín. Aquí hay estaciones de una edad a la que Bauer regresa y se pregunta si la belleza es, si la justicia es, si la niña es, si el amor es, y si lo que muestra es lo que nos mantiene asidos a la patria.

De los poemarios que más llegan y llagan son los elegíacos destinados a la muerte del padre. ¿Por qué es así? Quizá se debe a que la madre está inscrita como gestadora «de todo cuanto existe» en las más antiguas tradiciones y porque, en lo simbólico, de ella nacen y en ella mueren las cosas. Sin embargo, poco se habla de los vínculos con el padre, ese ser que en su silencio da la vida, no del alumbramiento, sino la que nace del desear. El padre educa a la hija en el deseo. Tal parece ser la relación entre Gabriela Cantú Westendarp y el padre. Él es presencia, paisaje, rumbo.
Mark Strand, en su elegía al padre, escribe que los adioses nunca son definitivos. Elegías al padre tenemos entre otras las de Jaime Sabines, Xavier Villaurrutia, Octavio Paz, Carlos Aganzo, Guadalupe Grande, Adam Sagajewski… La lista es grande, mas el acercamiento de cada uno de los poetas diverso. Gabriela Cantú hace una reposada reflexión transida de dolor y pena. Como en las coplas de Jorge Manrique, Gabriela pasa de la narración a la abstracción más humana. Mientras que en Manrique hay un tono moralizante, en este poemario elegíaco existe una bellísima asimilación de lo ido que permanece en la naturaleza, la música, la pintura, permitiendo que el duelo se transforme en un regreso espiritual, en una indeleble compañía.